El informativo “La hora cultural” de RTVE 24h entrevista a Ximo Tébar, fundador y CEO de Infinity Art, con motivo de su participación en la Feria de Arte Contemporáneo Estampa Ifema, donde presenta el proyecto Infinity Art como una nueva forma de coleccionismo de arte que reúne a más de treinta destacados artistas visuales en una colección de más de trescientas obras modulares interactivas. El reconocido guitarrista y profesor de jazz también nos habla de como está viviendo la pandemia como docente en la Universidad de California UCLA, y de su próxima producción musical “Brazilian Jazz Project” que editará en los próximos meses.

Ximo Tébar está considerado por la crítica internacional especializada como uno de los músicos más innovadores y experimentales del panorama actual. Hace más de tres décadas, el guitarrista, compositor y productor de jazz valenciano comenzó a promover sus propios proyectos fusionando el jazz con la música mediterránea. El resultado de su extraordinario trabajo de investigación sobre la fusión de la música mediterránea con el jazz lo ha llevado a ser distinguido como creador del “Son Mediterráneo”, un sonido jazz con sabor y fragancia mediterránea; “Jazz con sabor a mar”.

Residente entre Valencia y Nueva York, fue galardonado como mejor solista de jazz por el Ministerio de Cultura durante dos años consecutivos, 1988 y 1989. También recibió del programa de RTVE “Jazz entre amigos” dos premios Dexter Gordon como mejor solista y como mejor grupo del año 1989. En 2005 fue premiado por la International Association for Jazz Education en Nueva York “for outstanding service to jazz education”. Además, grandes maestros del jazz como Benny Golson, George Benson, o Lou Bennett han reconocido públicamente su gran calidad como guitarrista de jazz.

Recientemente, y paralelamente a su labor como músico y profesor de UCLA Global Jazz Studies, ha creado Infinity Art, un innovador proyecto colectivo de arte visual que propone una nueva forma de coleccionismo basado en la realización de obras de arte modulares e interactivas, originales y únicas, de destacados artistas visuales, que permite al coleccionista combinar ad hoc, e intervenir en la forma y tamaño de las obras, a través de un acertado sistema de fijación magnética.

El arte interactivo es un género de arte en el que los espectadores participan de alguna manera al proporcionar una entrada para determinar el resultado. A diferencia de las formas de arte tradicionales en las que la interacción del espectador es meramente un evento mental, la interactividad permite varios tipos de navegación, ensamblaje y / o contribución a una obra de arte, que va más allá de la actividad puramente psicológica. La interactividad como medio produce significado.

El arte interactivo se puede distinguir del arte generativo porque constituye un diálogo entre la obra de arte y el participante; específicamente, el participante tiene agencia, o la habilidad, incluso de manera involuntaria, para actuar sobre la obra de arte y además se le invita a hacerlo en el contexto de la pieza, es decir, el trabajo permite la interacción. Más a menudo, podemos considerar que el trabajo tiene en cuenta a su visitante. En un número cada vez mayor de casos, una instalación se puede definir como un entorno receptivo, especialmente aquellos creados por arquitectos y diseñadores. Por el contrario, el Arte Generativo, que puede ser interactivo, pero no receptivo per se, tiende a ser un monólogo: la obra de arte puede cambiar o evolucionar en presencia del espectador, pero el espectador puede no ser invitado a participar en la reacción sino simplemente disfrútala.

Según el artista y teórico de los nuevos medios Maurice Benayoun, la primera pieza de arte interactivo debería ser el trabajo realizado por Parrhasius durante su concurso de arte con Zeuxis descrito por Plinio, en el siglo V a. C. cuando Zeuxis intentó develar la cortina pintada. El trabajo toma su significado del gesto de Zeuxis y no existiría sin él. Zeuxis, por su gesto, se convirtió en parte del trabajo de Parrasio. 

A inicios del siglo XX, las vanguardias artísticas potenciaron nuevas formas de expresión, en las que se requería la interacción del espectador. Su papel, por tanto, dejaba de ser contemplativo y creaba nuevas relaciones de los sujetos con las obras, situación que se intensificaría a lo largo de los años.

• Desde los postulados dadaístas, se ensalza al espectador y se invita a que toquen las obras.
• En algunas propuestas, como sucede en los móviles de Calder, se incluyen engranajes, muelles o ruedas.
• En la interactividad mecánica de obras cinéticas se implementan elementos como motores o interruptores, tal como sucede en las piezas de Duchamp o Moholy-Naghy mencionadas en el apartado «Cambio de ciclo: creación en la era del Big Data».
• Los futuristas fuera del arte convencional optan por experimentar fuera del arte convencional.
• En el op art, se juega con las ilusiones ópticas: el espectador ha de participar activamente desplazándose o moviéndose ante la obra.
• Las propuestas multidisciplinares de participación por parte de la audiencia de Fluxus, la evolución de los happenings y la performance de las décadas de 1960 y 1970.

Estos movimientos abren el camino que ayudará al arte computacional a abrir desde sus inicios nuevas líneas de investigación relacionadas con la interactividad.

El arte interactivo concentra su atención en la observación del comportamiento (o patrones de comportamiento) de la persona que interactúa. El público pasa de ser observador a ser observado; de ser un espectador a ser un usuario. En esta interacción, el desplazamiento (debe ser tomado) como una posibilidad que amplía el radio de acción de los participantes. [1]

La obra crea unas condiciones básicas para su funcionamiento, pero es la acción del espectador la que proporcionará un resultado único en cada ocasión. [2]

El concepto ya se vislumbraba en textos como El arte como experiencia (1934), de John Dewey, en el que aboga por valorar la contemplación no pasiva. El mismo Duchamp declara en 1957 que el espectador es quien pone «la obra en contacto con el mundo» dentro del acto creativo (Shanken, 2013, pág. 44). Pero es Umberto Eco, en Obra abierta (1967), el que hace referencia a composiciones musicales que pueden ser «terminadas» por los intérpretes, y señala, dentro de las mismas, un grupo al que denomina «obras en movimiento» capaz de adoptar diversas estructuras no previstas ni diseñadas con antelación (Eco, 1992).

[1] G. Zalamea (2007). Arte y localidad: Modelos para desarmar (pág. 313). Bogotá: Universidad Nacional de Colombia.
[2] P. Waelder (2008). Arte interactivo: nuevas estrategias en la relación dialógica entre el espectador y la obra de arte (memoria de investigación, pág. 12). Palma de Mallorca: Departament de Ciències Històriques i Teoria de les Arts Universitat de les Illes Balears. https://docplayer.es/17020515-Arte-interactivo-nuevas-estrategias-en-la-relacion-dialogica-entre-el-espectador-y-la-obra-de-arte-memoria-de-investigacion-autor-pau-waelder-laso.html.

PROYECTO COLABORATIVO INFINITY ART – UPV
Iniciativa colaborativa entre Infinity Art, El Corte Inglés y la UPV con los alumnos de la asignatura “Proyecto Expositivo” del último curso del Grado en Bellas Artes, impartido por las catedráticas Teresa Cháfer y Natividad Navalón, y el becario FPU Cristian Gil y Gil, en la Facultat de Belles Arts de Sant Carles de la Universitat Politècnica de València. Las obras de esta colección serán expuestas en la exposición «Infinity Art: Arte Vivo Interactivo», en Valencia, del 6 al 22 de mayo de 2021, en El Corte Inglés [Pintor Sorolla – 6ª Planta].

Una propuesta de arte emergente sincera y auténtica

Este proyecto artístico surge de la propuesta de Infinity Art, esta importante plataforma de arte modular orientada a coleccionistas, de promocionar el trabajo artístico del alumnado de los últimos cursos de la Facultat de Belles Arts de Sant Carles de la Universitat Politècnica de València. Es uno de esos proyectos artísticos que está predestinado a salir bien porque nace de la suma de voluntades e intereses comunes de artistas, entidades e instituciones. Una iniciativa que pone en valor el trabajo y las sinergias entre promotores de arte, coleccionistas, profesorado, artistas emergentes en formación y la propia Universidad.

Los y las artistas emergentes constituyen, por lo tanto, el primer eje sobre el que pivota este proyecto. Es este, el emergente, un arte exploratorio y tentativo, expansivo, fresco, sin filtros, que se corresponde con momentos vitales y profesionales de riesgo, en construcción y proyección dentro de aquello que venimos denominando sistema del arte. El proyecto, sin duda, abre una puerta para que estos y estas artistas emergentes puedan dialogar con el público.

La segunda característica que define este proyecto es la armonización entre la diversidad de técnicas y temáticas de las obras, por una parte, y la uniformidad y repetición de formatos que propone Infinity Art, por otra. Las obras del proyecto son diversas en cuanto a técnicas (pintura, fotografía, collage, serigrafía, técnicas mixtas…) y materiales. También en cuanto a temáticas que reflejan, como no puede ser de otro modo, la pluralidad de imaginarios y universos conceptuales, visuales, narrativos y oníricos de esta promoción de artistas emergentes. Sin embargo, esta diversidad de técnicas y temáticas convive de forma armónica y coherente con las formas modulares propuestas por Infinity Art.

Ya por último es importante destacar la apuesta por la modularidad de Infinity Art ya que, sin duda, interpela al coleccionista a jugar un papel activo en la recepción y configuración de la obra final. Desde esta perspectiva, el público se convierte en comisario, en curador de su propia adquisición y el arte contemporáneo en una propuesta abierta e inacabada que depende, más que nunca, de la recepción por parte del espectador.

En definitiva, nos encontramos ante una propuesta de arte emergente sincera y auténtica, una excelente oportunidad de conocer a artistas con proyección que, desde el lenguaje artístico, contribuirán a pensar y sentir nuestra propia contemporaneidad.

Josep Sanz Beneyto
Alumno de “Proyecto Expositivo”, 4* curso del Grado en Bellas Artes.
Facultat de Belles Arts, Universitat Politècnica de València
Mayo 2021

Arte Modular es arte creado por la unión de unidades (módulos) para formar composiciones. En algunas obras las unidades se pueden mover, quitar, intercambiar, o añadir, es decir; modular las piezas para crear una nuevas imagenes, diferentes de la configuración original.

El concepto de arte modular permite al usuario descomponer y volver a componer una obra de arte re-organizando de sus piezas, lo que proporciona numerosas posibilidades. La obra original se puede recontextualizar ad libitum e infinitamente.

Orígenes

Históricamente, los objetos alterables de arte han existido desde el Renacimiento , por ejemplo, en el tríptico «El jardín de las delicias» de El Bosco, o en los llamados “retablos alterables», como el Retablo de Isenheim de Matthias Grünewald, o Alberto Durero retablo Paumgartner , donde los motivos podían ser revisados y cambiados de acuerdo con el calendario eclesiástico.

Siglo XX

A partir de la primera mitad del siglo XX, una serie de artistas contemporáneos trató de incorporar técnicas cinéticas en su trabajo, en un intento de superar lo que consideraban la naturaleza predominantemente estática del arte.

Las obras de Alexander Calder están entre las manifestaciones más conocidas de dinamismo físico en las artes visuales, en el que la forma tiene el potencial para variar continuamente a través de movimiento perpetuo, a veces incluso sin la intervención de la mano humana. La máquina del arte autodestructivo de Jean Tinguely constituye quizás la máxima expresión de la mutabilidad del arte, en este caso, tomando la forma de su erradicación total. Victor Vasarely postuló en su Manifiesto Jaune en 1955 en París que las obras de arte deben presentar las propiedades de ser multiplicable y repetible en serie. Más recientemente, la noción de que el arte visual no tiene por qué ser concebida únicamente en términos de objetos fijos perpetuamente se materializa en el rendimiento y la instalación de arte en virtud de sus cualidades se desarrollan y temporales.

Modularidad en las bellas artes

La «Pintura blanca» [1951] de Robert Rauschenberg consiste en sólo cuatro cuadrados blancos iguales, con su geometría de formas de enclavamiento mutuo, es uno de los primeros estados de la modularidad como un sujeto autónomo del arte. Rauschenberg exploró este tema ese mismo año en un formato de tres y siete paneles; la disposición lineal de paneles rectangulares en estas versiones sugiere su replicación potencialmente infinito. La abstracción fría de estos lienzos presagia la aparición de la modularidad como un tema de pleno derecho del arte minimalista en la década de 1960. Tomás Navarro , Sol Le Witt , Dan Flavin y Donald Judd son algunos de los exponentes más prolíficos de esta escuela durante ese período.

El enfoque constructivista en Europa

En Europa, donde el 1960 la escuela de arte minimalista modular fue visto a menudo como un fenómeno principalmente de América, la discusión de la modularidad menudo se centra en su capacidad de cambio. Por ejemplo, la mutabilidad de arte es un principio básico de Arte Povera , un movimiento contemporáneo que surgió en Italia que sostiene que las obras de arte «no deben ser vistos como entidades fijas», sino como objetos de cambio y movimiento a «incluyen tiempo y el espacio de una manera nueva. en juego está el tema de la transferencia de la fenomenología de la experiencia humana» en las artes.

Más recientemente, el artista Leda Luss Luyken ha producido pinturas modulares, compuestos por paneles pintados móviles establecidos en los marcos de acero. Luss Luyken lo ha llamado «ModulArt». En su trabajo, el cambio de la configuración de un cuadro modular constituye una forma de movimiento, ofreciendo al espectador puntos de vista alternativos y las interpretaciones alternativas, y alineando así el trabajo más de cerca que un objeto estático al dinamismo de la experiencia humana física. El Historiador del arte y teórico Denys Zacharopoulos llamó a esto «una nueva forma de movimiento en la pintura». El concepto de arte modular permite al usuario descomponer y volver a componer una obra de arte completada por la re-organización de sus partes, lo que proporciona numerosas posibilidades de composición. La pintura original puede recontextualizarse ad libitum infinitamente.

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